No me gustaría que estas felicitaciones se perdieran, así que aquí recojo algunas con la esperanza de que puedan llegar a su verdadero destinatario.

…queremos felicitarle de todo corazón por su flamante premio Nacional de Fotografía, como reconocimiento a todo el trabajo de una vida. Aunque usted y yo mismo no nos conocemos, siempre hablé a mis alumnos de su obra, de esa manera tan humana que tienes usted de mirar el mundo con su catalejo de pirata. Quedamos a su entera disposición para cualquier cosa que estime usted pertinente. ¡¡Enhorabuena, Rafael!!. un cordial y sincero saludo….

enhorabuena rafa!!!! por el premio nacional,aun que creo que un poco tarde,bueno no es tarde dicen……………..uno que te admira desde tantos años como te conoce…….saludos

Enhorabuena Rafael!!!!  No has envejecido y me he llevado la gran sorpresa al ver tu nombre en El Mundo Digital (elmundo.es) aqui en Washington DC donde resido. Saludos a tu hermana  Rosa y sobrinos Isabel y Alejandro. Enhorabuena otra vez…lo mereces.

Mis felicitaciones mas sinceras.  Yo tambien ingresé en la Real en esos años y fui junto con Enrique Lainez, Joaquin, Alfonso, Miguel Angel y otros los ” mocosos ” que os admirabamos y pretendiamos seguir vuestros pasos. Fuiste muy cercano a nosotros y por eso y mas cosas eras nuestro referente junto con Sigfri.  Un abrazo fuertes.

Estimado Rafael :

No sabes cuánto me alegro por el premio que te acaban de otorgar. Después de varios años de dar el premio a fotógrafos que ni entiendo ni admiro, por fin un gran fotógrafo. Solo tú sabes lo que has enido que sufrir en esta bella profesión que es la de fotógrafo. Un fuerte abrazo

Debo reconocer, y avergonzarme a la vez, que nunca había oído hablar de Rafael. en este momento quizás es de lo que mas me haya alegrado en mucho tiempo fotográficamente hablando.

Felicidades. Y me alegro por dos motivos, por ese merecidisimo premio, y por mi egoísmo que así he conocido tu trabajo que me ha enamorado.

Hola, mi nombre es XXXX y estoy creando un blog sobre fotografia, quisiera poner un reportaje sobre usted ya que es el ganador del premio nacional de fotografia de este año. Me encantaria poder realizarle una entrevista si me lo permite y tiene tiempo para ello. (Seria por mail.) O sino fuera posible simplemente que me permitiera poner alguna foto sulla en el reportaje. Muchas gracias y disculpe las molestias.

Para mi tambien ha sido una grata sorpresa conocerte. en lo cotidiano y simple esta la belleza, y tu la has captado. enhorabuena.

Me sumo a estas felicitaciones porque considro a Saez Lobato uno de nuestros fotógrafos más grandes, pero no quiero dejar de puntualizar que el Premio Nacional de Fotografía, del que desconozco los criterios que se aplican para seleccionar al ganador, es un premio un tanto absurdo e incomprensible por como se plantea.

Mirando la lista de ganadores de este premio desde 1.994 uno intuye que el premio es para un fotógrafo aún vivo y como premio a todo su carrera. Así que incomprensiblemente nos encontramos a Bleda y Rosa que recibieron el premio antes de cumplir los 40 años y podríamos decir que con toda su carrera aún por delante. También se echan de menos figuras tan fundamentales como Cristobal Hara, Koldo Chamorro, Gonzalo Juanes, Virxilio Vieitez, Oriol Maspons, Ricard Terré, Xavier Miserachs y muchos más. ¿porque ellos no y otros sí? Con un premio anual suponemos que en una década solo hay diez fotógrafos que merecen ser premiados, ¿y que pasa con el resto?

Me pregunto también si en este Premio también harán recortes en su presupuesto como ya han hecho en los Fotoencuentros de Murcia o al festival Emergent de Lleida. Y si no lo hacen, que es lo más probable, si se deberían invertir los fondos culturales en premiar a quien ya tiene su carrera hecha o en ayudar a quien la tiene todavía por hacer.

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El libro me ha costado 120€, que es un precio que no acostumbro pagar por un libro, pero hay varios motivos que me han llevado a ello. El primero es que de todas las propuestas que se han hecho en el último año con fotos obtenidas de Internet me parece la más elaborada. Además creo que un libro que va a estar en todos los libros de historia fotográfica del futuro y va a dar mucho que hablar, ya que presenta un trabajo conceptual serio y creíble que se distingue del carácter mayoritariamente anecdótico de otras propuestas. Por último sé que es un libro cuyo valor siempre va a ser superior a lo que yo he pagado, ya que está pensado directamente para ser un libro que se revalorize. Compré uno de los últimos ejemplares la semana pasada, ya se ha agotado la edición y hoy mismo se puede encontrar en eBay por más 800€. Especulación a tope, muy americano todo.

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¿Cómo opera la creación radical postfotográfica? Esta sería una propuesta plausible expresada de forma tan sumaria como tajante:

1º Sobre el papel del artista: ya no se trata de producir obras sino de prescribir sentidos.

2º Sobre la actuación del artista: el artista se confunde con el curador, con el coleccionista, el docente, el historiador del arte, el teórico… (cualquier faceta en el arte es camaleónicamente autoral).

3º En la responsabilidad del artista: se impone una ecología de lo visual que penalizará la saturación y alentará el reciclaje.

4º En la función de las imágenes: prevalece la circulación y gestión de la imagen sobre el contenido de la imagen.

5º En la filosofía del arte: se deslegitiman los discursos de originalidad y se normalizan las prácticas apropiacionistas.

6º En la dialéctica del sujeto: el autor se camufla o está en las nubes (para reformular los modelos de autoría: coautoría, creación colaborativa, interactividad, anonimatos estratégicos y obras huérfanas).

7º En la dialéctica de lo social: superación de las tensiones entre lo privado y lo público.

8º En el horizonte del arte: se dará más juego a los aspectos lúdicos en detrimento de un arte  hegemónico que ha hecho de la anhedonia (lo solemne + lo aburrido) su bandera.

9º En la experiencia del arte: se privilegian prácticas de creación que nos habituarán a la desposesión: compartir es mejor que poseer.

10º En la política del arte: no rendirse al glamur y al consumo para inscribirse en la acción de agitar conciencias. En un momento en que prepondera un arte convertido en mero género de la cultura, obcecado en la producción de mercancías artísticas y que se rige por las leyes del mercado y la industria del entretenimiento, puede estar bien sacarlo de debajo de los focos y de encima de las alfombras rojas para devolverlo a las trincheras.

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Los que yo considero que para mi son los libros de fotografía más interesantes del año son:

Conditions de Andrés Marroquín Winkelmann. Es un libro fetiche, de esos que no puedes dejar de recomendar a todo el mundo. Alguien me ha comentado que no le convencen las fotos, a mi sí, además tanto el concepto, como el libro funcionan perfectamente.

Desperate Cars de Sébastien Girard. Me ha costado apreciarlo. Al principio no me gustaba y ahora me encanta.

The Pond de John Gossage y For a Language to Come de Takuma Nakahira. Dos clásicos imprescindibles.

A New American Picture de Doug Rickard, creador y editor de American Suburb X, una de las mejores webs de fotografía del mundo. Una idea nueva y bien desarrollada que introduce nuevos conceptos en la fotografía moderna, una pena que el libro sea tan caro.

Grimaces of the Weary Village de Rimaldas Viksraitis. Libros así no se ven muy a menudo.

La Vertigine de Federico Clavarino. Llevo dos años viéndole trabajar en este proyecto y este fanzine concentra todo el trabajo de forma sublime. Una joya de solo 5€ y la mejor publicación española del año.

¿y para vosotros cuales han sido los mejores?

Foto: Federico Clavarino

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http://www.federicoclavarino.com/

http://www.fiestaediciones.com/

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«No sabemos proteger debidamente nuestra privacidad, porque no la valoramos en su justa medida. La privacidad necesita considerarse algo más importante de como la estamos tratando hoy en día. Existe una razón por la que las generaciones anteriores inventaron los pensamientos privados. El hecho de que los adolescentes compartan cualquier sentimiento e Internet lo retenga el resto de sus vidas no es algo bueno»

Podemos cambiar la palabra sentimiento por fotografía. Antes la personas tenían derecho a que su pasado fuera olvidado y difícil de rescatar. Hoy en día cualquier error puede quedar al alcance de todo el mundo para el resto de los tiempos, y lo que es peor, falto de un contexto en el que interpretarlo debidamente.

Casi todo el mundo presupone que cuando sube una foto a una red social tiene unos derechos de imagen por los cuales esa fotografía no se puede copiar ni sacar de contexto. Bueno, simplemente están equivocados. Bajo la excusa de que si las has subido es que las quieres compartir tus fotos pueden acabar en cualquier sitio.

Por ejemplo en el último libro de Joan Fontcuberta, A través del Espejo, donde todas las fotografías se han recopilado de Internet y son anónimas. Él las llama “reflectogramas”, autorretratos realizados frente a superficies reflectantes. Las  imágenes las han subido los propios protagonistas a diversas páginas de Internet y según explica Fontcuberta, nuestra legislación es permisiva con el uso de imágenes que se encuentran libremente disponibles en la red y por ello se han podido utilizar en este proyecto.

También Mathieu Grac recopila fotos de sitios de contactos de adolescentes para hacerse sus ediciones.

Comienza la ardua tarea de educar a la gente sobre la responsabilidad individual de reconocer, exigir y proteger el derecho a su privacidad digital. Trabajos como estos contribuirán a generar el debate necesario.

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http://postalak.blogspot.com/

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Los formalistas rusos habían distinguido entre una mirada meramente receptiva, que reconocía lo ya conocido, y otra activa, capaz de descubrir lo nuevo. Para que ésta fuera posible era necesario que el fotógrafo tratara de conseguir en sus obras que la percepción del espectador dejara de funcionar de modo automático.

Pero no debía intentar que lo desconocido naciera de lo conocido mediante algún tipo de sorpresa, sino que tenía que emplear recursos que lograran que lo conocido se convirtiera en desconocido.

Viktor Sklovski, uno de los principales teóricos del formalismo ruso, llamaba a estos recursos ‘ostranenie’, palabra que significa extrañamiento, aunque también se pueda traducir como desfamiliarización o distanciamiento.

Al emplearlo, la mirada superficial y contaminada por la tradición, se transformaba en visión y conocimiento. Superar el mero reconocimiento rompía el automatismo de la percepción, significaba hacer consciente lo inadvertido y resucitar la experiencia.

Fragmento del libro Variaciones en España. Fotografía y arte 1900-1980, de Horacio Fernández Martínez.

Foto: Cristobal Hara

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Francesc Català-Roca (Valls, 1922 – Barcelona, 1998) ha sido uno de los fotógrafos catalanes más importante del siglo XX. La calidad estética y documental de su obra ha conseguido traspasar fronteras y su producción artística está a la altura de los mejores fotógrafos internacionales. Impulsor de una nueva forma de entender la fotografía, se ha convertido en un maestro reconocido y admirado por toda una generación de fotógrafos que, como él, valoran una fotografía pura, alejada de cualquier tipo de manipulación. Sus imágenes rezuman ternura y, a menudo, detrás de su objetivo se intuye una mirada incisiva y guasona, llena de sentido del humor.

Os dejo con tres citas suyas y un vídeo:

“Yo no soy un fotógrafo -explica- de estos que van con la cámara pegada al hombro y disparan muchas fotografías. No. Yo veía una escena en la calle y en mi cabeza surgía la fotografía. Luego iba con mi cámara, en aquellos años una Rolleyflex, y recuperaba esa fracción de la realidad. Hacía muchachos tocando el órgano, escenas de toros, niños, ancianas, todo aquello que llamara mi atención y que fuera algo que yo viera a punto de desaparecer”.

“Hasta ahora hemos vivido una situación anómala: hemos visto el mundo en blanco y negro. Ahora estamos acabando el siglo XX, el único periodo acromático de la historia de la humanidad; anteriormente toda la iconografía era polícroma. El blanco y el negro son dos colores que actualmente aún nos resultan familiares, pero que desaparecerán en un futuro; son dos colores falsos, no existen. Serán como el latín: llegará un momento en el que la gente no los entenderá”.

«El fotógrafo tiene que ver la realidad, pero también tiene que saber verla convertida en fotografía»

http://www.youtube.com/watch?v=by0WvY1KQMU

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Durante los años noventa, han surgido un número de fotógrafos japoneses con series en las que se cruzan los caminos del arte y la fotografía, basada en conceptos muy sólidos. Pueden a grandes rasgos, dividirse en dos grupos: uno que usa la fotografía como su medio preferido de aproximarse al mundo desde un punto de vista individual; el otro trabaja con este medio para acceder a lo imaginario y trascender el tiempo y el espacio.

En el primer grupo, tenemos a Naoya Hatakeyama, quien trabaja utilizando una gran variedad de ángulos para comentar sobre la evolución del paisaje urbano.

A Toshio Shibata quien revela las bellezas escultural de las presas y otras obras públicas anónimas.

A Ryuji Miyamoto, quien captura los restos de la civilización en objetos y estructuras en estado de descomposición.

Y a Taji Matsue, quien utiliza la fotografía aérea para resaltar la topografía de lugares específicos.

En el segundo grupo se encuentran: Hiroshi Sugimoto, cuya obra puede ser vista como un comentario critico de la historia y la temporalidad.

Mientras que Yuki Onodera, que ha publicado series de imágenes muy diversas, puede decirse que ha liberado la imaginación y le ha quitado todo peso.

Los textos han sido obtenidos del maravilloso ensayo de Mariko Takeuchi traducido por por Philippa Neave.

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Esto es especialmente cierto respecto a Miyako Ishiuchi, pionera de las fotógrafas japonesas. Durante los últimos 30 años ha trabajado constantemente en los efectos del paso del tiempo en la piel humana y el ropaje.

Ryudai Takano explora la vida cotidiana para traer a la luz ocultas manifestaciones de ambigüedad sexual y erotismo.

Al superponer múltiples retratos de miembros de un determinado grupo de personas, Ken Kitano intenta identificar los parámetros de aquello que constituye la individualidad, de aquello que hace que yo sea “yo”.

Mientras tanto Tomoko Sawada se atavía y se transforma en una multitud de diferentes personajes para cuestionar la pluralidad de nuestra identidad.

Finalmente, Asako Narahashi se retrata inmersa en las aguas de océanos y lagos para desvanecer la imagen de estabilidad que otorgamos al mundo, revelando sus cualidades efímeras y frágiles.

Los textos han sido obtenidos del maravilloso ensayo de Mariko Takeuchi traducido por por Philippa Neave.

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Ansel Adams, (1902-1984)

Cuando Ansel Adams escribió esas líneas para una de las revisiones de su libro “El Negativo”, los ordenadores no se habían integrado a la vida de la mayoría de las personas. Sin embargo, existían algunos indicios de la gran revolución que se avecinaba en la fotografía y Adams intuyó con razón que ese desarrollo se aceleraría.

Muchos años antes, alrededor de 1940, Ansel Adams había desarrollado un sistema para controlar y pre-visualizar los valores tonales de una imagen en función de los materiales sensibles. Su propuesta consiste en que el fotógrafo pueda imaginarse la foto terminada antes de tomarla, a partir de mediciones fotométricas parciales de las diferentes partes de la realidad a fotografiar. Luego, de acuerdo al tipo de negativo y su revelado, el fotógrafo puede visualizar en qué valor de gris -o Zona- quedará registrada cada parte de la imagen.

El planteamiento fue revolucionario, porque hasta ese momento la exposición se hacía de una manera más o menos general. A partir de entonces, los fotógrafos empezaron a tomar en cuenta cada uno de los valores de brillo de la escena y a analizar cual sería su rendimiento final en la película.

Con el paso de los años se desarrollaron muchas derivaciones del Sistema de Zonas -que originalmente fue concebido para trabajar en blanco y negro-, de modo tal que los fotógrafos en color o los directores de fotografía de cine y video, empezaron a hablar de Zonas pese a no estar utilizando estrictamente el sistema de Adams.

Algunos especulan con la idea de que la formación de Adams como pianista lo condujeron a aplicar la idea de la notación musical, donde cada sonido tiene un lugar y una secuencia precisa, al campo de la fotografía. Lo cierto es que desarrolló un amplio sistema que lleva a analizar la exposición en función de una escala y no de un punto fijo.

En el gráfico podemos apreciar cada una de las Zonas posibles en una imagen blanco y negro y su descripción, donde la Zona V es aquella sobre la cual basamos la exposición.

El rango dinámico de la película o el sistema digital de captura que usamos es siempre más limitado que el que nos permite ver nuestro ojo cuando se dirige hacia la realidad. El Sistema Zonal nos ayuda a visualizar como se comprime la imagen de una escena cuando es registrada sobre un material fotosensible.

GALERIA DE FOTOS

VIDEOS

http://www.youtube.com/watch?v=KjoRrwO_PfI

REFERENCIAS

Texto de Mariano Molinari.

Mariano Molinari imparte cursos de fotografía digital y desarrolla una labor en fotografía comercial que puede verse en www.molinarifoto.com.ar

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Esta fotografía (“Habitación en plantación de Louisiana”) realizada por Walker Evans en 1935 en el interior de una lujosa casa de una plantación en White Castle,  es una fotografía y es es un documento que la inteligencia del fotógrafo ha transformado en algo más, en un documento histórico que resume una época, una sociedad y a la vez le confiere un carácter misterioso.

[quote]

La obra de Evans está lejos de lo que se consideraba arte en fotografía, por el que los fotógrafos llevaban décadas luchando por el equivocado camino del sentimiento y la belleza evidentes, y es la obra de Evans la que culmina esa evolución formal mediante la ruptura, con un estilo que se empezó a llamar documental, que miraba a los hechos directamente, y estaba pensado para presentar las cosas en relación a sí mismas, de una manera precisa, sin emociones ni tendencia a la idealización. En resumen, como puros documentos que minimizan sus cualidades estéticas.

Este nuevo estilo que se nutre de temas a veces agresivamente ordinarios, que elimina las barreras entre lo bello y lo feo, lo importante y lo trivial, será el que en la década de los treinta facilite la penetración de la estética moderna en la fotografía americana, y, a la larga, el que proporcione las herramientas básicas a otros muchos fotógrafos y artistas de las generaciones siguientes. Con su aparente frialdad podía resultar un estilo inmensamente rico en contenido expresivo, capaz de encontrar poesía y complejidad en los recursos internos de la tradición americana, evitando todo romanticismo, sentimentalidad y nostalgia.

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El que quizá sea el reportaje de Walker Evans que mejor define la estética de su etapa en la revista Fortune, “Beauties of the Common Tool” (Bellezas de la herramienta común, 1955). Evans fotografió sobriamente las herramientas que constituían el pan de cada día, inadvertidas para los diseñadores modernos, y sin embargo, insustituibles para los trabajadores, concediéndoles así su momento de gloria.

Evans muestra en unos alicates, una llave inglesa o un martillo la pureza propia de las formas “sin diseñar“, que son producto de las demandas de la utilidad, en lugar de las del lujo. Las herramientas desempeñan sus tareas calladamente, tan omnipresentes como para ser pasadas por alto, como las formas constitutivas de lo cotidiano que son.

El instinto de catalogación de la obra de Evans -documentar, preservar y pensar sobre lo cotidiano- alcanzó su apoteosis durante sus años de Fortune, donde Evans rescataría del olvido los objetos cotidianos del proceso de producción que generaba el dinero con el que se pagaban las relucientes salas de juntas de los ejecutivos.

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