El ruido en el mundo de la fotografía es tan ensordecedor que apenas nos deja escuchar nuestra propia voz interior. Y es esa voz la única que nos puede ayudar cuando nos preguntamos qué camino seguir.

A menudo, el artista joven necesita construir con antelación un andamiaje conceptual sobre el que edificar su obra. Solemos olvidar que las cosas se averiguan haciéndolas y el discurso se genera después de una repetición constante y prolongada de puro trabajo. Es la obra la que nos dice quiénes somos nosotros y no al revés.

El proceso creativo es una sensación de trance más o menos prolongado en el que uno busca materializar algo que cree haber intuido previamente dentro de sí. Esa búsqueda es la que verdaderamente importa, la que construye nuestra mirada y desvela nuestra propia voz.

Es el proceso lo que hace madurar a un autor; la obra es el resultado de esa transformación.

Matías Costa

http://www.talleresencabodegata.com/matias-costa.html

Noah Kalina se saca una foto de sí mismo todos los días desde el año 2000.

Es muy curioso que consiga mantener la misma expresión durante una década.

http://everyday.noahkalina.com/

Hace poco publiqué un artículo sobre Jack Radcliffe, que muestra una secuencia de 32 fotos tomadas anualmente a su hija.

Otro trabajo interesante es “The Brown Sisters” de Nicholas Nixon, en el que fotografía anualmente a cuatro hermanas todos los años entre los años 1975 y 2005.

Rineke Dijkstra fotografía a Almerisa, una niña bosnia cuya familia a emigrado a Holanda, a lo largo de once años como parte de un proyecto de documentar la vida de los niños refugiados. El propósito de las fotos es hacernos ver tanto el paso de la niñez a la edad adulta como registrar su progresiva integración en la cultura su país de acogida.

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El libro de Brodsky, Buena Memoria es la reconstrucción biográfica de sus amigos y de su hermano, fijando la memoria en lo que hoy es conocida como el período de la Guerra Sucia Argentina. Su trabajo ofrece un testimonio sobre un tiempo no tan lejano y que aún traza su sombra triste en el presente.

Después de encontrar una foto de graduación de sus treinta y dos compañeros de clase de secundaria de 1967, punto de partida de esta investigación visual, Brodsky decidió saber y documentar lo que le había pasado a estos amigos. Unos se irían de Argentina, otros se quedaron, y dos murieron a manos del terrorismo de estado. En Buena memoria, la clásica foto de graduación sirve de fondo para retratar a sus contemporáneos, 25 años después.

http://www.marcelobrodsky.com

Es tan difícil porque está por todas partes, en todos los lugares, todo el tiempo, incluso ahora. Es la imagen de este bolígrafo en mi mano mientras escribo, es la imagen de tu mano sosteniendo este libro. Deja lentamente llevar tu conciencia fuera de este texto y mira: está justo ahí, en el odirtro lado de la habitación, y allí… y allí. Entonces se va. Tú no lo has fotografiado creías que no valía la pena y ahora es demasiado tarde, ese momento ha desaparecido. Pero otro ha llegado, en un instante. Ahora. Porque la vida fluye a través y alrededor nuestro, avanzando deprisa, deprisa y en todas direcciones.

Pero si está en todas partes y todo el tiempo, y es tan fácil de hacer, entonces ¿qué valor tiene? ¿qué fotos merecen la pena? ¿La foto conseguida a base de esfuerzo, preparada, controlada, pre-visualizada? Sí ¿Aquellas artificiales, secas y esmeradas? A veces ¿Es tal vez la foto hecha de improviso, por estar en el sitio y en el momento adecuados? Por supuesto ¿Puede ser una expresión intuitiva? Exactamente. Tal vez sea el resultado de años de buscar, ver, pensar en la fotografía. Definitivamente.

¨Solo una lección da la vida: que hay más accidente/azar en ella de lo que el hombre pueda admitir en toda su vida manteniéndose cuerdo.¨

Thomas Pynchon, V

Vale, entonces ¿cómo puedo encontrarle sentido a ese fluir interminable, esa niebla que cubre la vida aquí y ahora? ¿Cómo puedo ver a través de ella? ¿Cómo puedo cruzar esa frontera? ¿Me lanzo a andar por la calle y hago fotos a extraños? ¿hago una fotonovela entre mis amigos? ¿fotografío solo a mis allegados, mi familia, a mi? O quizás debería solo fotografiar paisajes, las rocas, los árboles – ellos no se mueven, ni se quejan, ni te hacen esperar. ¿Las casas antiguas? ¿las casas modernas? ¿Me voy al otro lado del mundo a las zonas de conflicto o a la tienda de la esquina, o ni salgo de mi cuarto?

Sí, sí y sí. Esa es la elección por la que estás tan mimado, pero no dejes que te detenga.

Ten cuidado, pero no te quedes atascado – relájate, está en todo y por todas partes. Lo encontrarás y te encontrará a ti, solo empieza, de algún modo, pero: empieza.

Sí, pero ¿no debería tener una idea coherente? ¿no debería saber primero lo que estoy haciendo? Eso estaría bien, pero dudo que Robert Frank supiera todo el sentido de lo que hacía cuando comenzó, o igualmente Cindy Sherman or Robert Mapplethorpe o Atget o… así que no deberías esperarlo. Mientras más planeado lo tengas, menos espacio dejarás al azar. Para que el mundo te hable, para que la idea se encuentre a si misma, permitiendo dar lugar a la ambigüedad y a la ambivalencia, que muchas veces son más importantes que la claridad y la certeza. La obra a menudo dice más que lo que sabe el autor.

Vale, pero la fotografía no siempre entra dentro de proyectos con coherencia y organizados, así que a lo mejor necesito vagar libremente por este mundo, sin limitarme, fotografiando lo que sea cuando quiera: el cielo, mis pies, el café, las flores que acabo de ver, mis amigos, mis amantes ¿y tendrá sentido porque todo eso es mi vida? Quizás. Algunas veces funciona, otras es indulgente, pero debe ser tu elección, porque tú eres libre también de ¨no tener sentido¨ .

“Al final incluso este relato es absurdo, lo cual es una parte importante de la cuestión, si es que hay alguna, ya que no tener ninguna en absoluto parece formar parte de la cuestión.”

Malcolm Lowry, Ghostkeeper

Vale, necesito tiempo para pensar sobre todo esto. Permitirme esa libertad por un tiempo. Un par de años. Quizás no encontraré mi respuesta, pero quizás estaré alrededor de otros que entiendan esta pregunta, que hayan llegado a un punto similar. Quizás comenzaré por el camino equivocado, o por las razones equivocadas – porque me gustaban las cámaras, porque creía que la fotografía sería una opción fácil. Pero me obligaré a intentarlo, entonces quizás me tropiece con algo que cobre sentido para mí, o simplemente sienta que esté bien. Si me concentro en eso, quizás crezca, y de manera modesta e indescriptible comience a cobrar sentido. Como fotografiar a la comunidad Árabe–Americana, como seres humanos con vidas, esperanzas, familias y sentimientos, heterosexuales, homosexuales, jóvenes, viejos, con toda la humanidad que Hollywood nunca les ha dado. O la comunidad negra de New Haven, en la que se hacen charadas teatrales inexplicables, llenas de alegría, que rompen mis ideas preconcebidas en mil pedazos. O los ecos de las instantáneas divertidas-perturbadoras-tristes de mi antiguo novio. O el paisaje anónimo de los suburbios del norte del estado, en la manera en que define las imágenes espectaculares de las que estamos adictos. O… como las mujeres usamos nuestros cuerpos para mostrar lo que creemos que deberíamos ser. O…

¨¿Una novela? No, ya no tengo la resistencia necesaria. Para escribir una novela tienes que ser como un Atlas, sostener el mundo entero sobre tu espalda y aguantar allí meses y años mientras los casos se van resolviendo.”

J. M. Coetzee, Diary of a Bad Year.

Y tengo la esperanza de continuar y desarrollarlo, porque merece la pena. Continuar porque importa, y hay muchas otras cosas que no importan: el trabajo para ganar dinero, los encargos editoriales, las fotos de moda. Entonces un día estará lo suficientemente desarrollado para creer que está terminado. Hecho. Y a su manera: una contribución, y todo el esfuerzo y las frustraciones y el tiempo y el dinero desaparecerán. Ha merecido la pena, porque es algo real, que no existía antes de que tú la crearas: una obra que transmite con fuerza y sensibilidad, que habla de este mundo y de los que te rodean en él. ¿No es precioso?

(Texto para el Libro de Graduación del Master de Fotografía en la Universidad de Yale – Yale MFA Photography 2009: We Belong Together)

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Este libro, “Vivan los novios” supone la segunda revisión de mis archivos de bodas. Más de 2500 casamientos desde 1979 me hacen sentir en ocasiones un poco cura, o un juez que se maneja con pruebas fotográficas, pues confieso que soy cómplice de todo, pero me reafirmo abogando por éstas mis conclusiones. Aseguro y doy fe que los testimonios que aporto no fueron realizados en la España oculta y profunda, pues ocurren sin esconderse. Hablan de acontecimientos cotidianos que suceden en la superficie, al aire libre del campo en la mayoría de casos, y no tan lejos de nosotros, en lugares donde la fotografía hace tiempo que fue democratizada y popularizada, donde el álbum familiar ha sobrevivido a los tiempos modernos, donde los protagonistas consumen imágenes tal como respiran, sin importarles la opinión de los que viven ocultos en la profundidad de las grandes ciudades.

Y queriendo contestar a preguntas habituales, prometo que no voy el día antes de la boda a colocar cosas por las paredes. No lo necesito. Las imágenes seleccionadas son de verdad y fueron entregadas en su día dentro de álbumes. Si mis fotos resultan exuberantes es porque pertenecen a un mundo exuberante: los murcianos somos más norteafricanos que europeos meridionales, siendo la felicidad atmosférica la causante de un carácter abierto, tolerante, divertido. No hace falta inventarme nada. Las claves para entender mi manera de contar con la cámara deben estar en mis antecedentes, pues me siento incapaz de separar la fotografía de mi propia biografía (érase una vez).

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August Sander será siempre recordado por su trabajo “Retratos del siglo XX”. En los años 30 y con la ascensión de los nazis al poder, su obra es objeto de persecución.

Sander muestra a sus compatriotas, nazis incluidos, tal como son, sin glorificar la raza aria. Con ello no solamente se opone a la propaganda totalitaria, sino que en la práctica la denuncia. Su libro es retirado de las librerías y su archivo confiscado.

Durante esa época se dedica a realizar paisajes de Colonia, os dejo con parte de su trabajo.

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La exposición se puede visitar del 24 de noviembre al 3 de diciembre. Sala Juan de Villanueva (C.C. Isabel de Farnesio), Aranjuez (Madrid)

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El 10 de agosto de 1945, Yosuke Yamahata, de 28 años, fotógrafo de la prensa japonesa y de la Oficina de Información, recibió la tarea más difícil de la historia de la fotografía: documentar Nagasaki el día después de la explosión de la bomba atómica.

Las más de 100 fotografías que hizo ese día fueron publicadas en 1995, por el 50 aniversario de aquella matanza, en un libro llamado Nagasaki Journey. Hasta ese momento estas fotos apenas habían sido vistas en Estados Unidos.

Veinte años después, el 6 de Agosto de 1965, cuando se recordaba el vigésimo aniversario del bombardeo a Hiroshima, Yamahata enfermó súbitamente. A los 48 años de edad, le fue diagnosticado cáncer terminal al duodeno, probablemente debido a efectos radiactivos residuales recibidos en Nagasaki en 1945. Murió el 18 de Abril de 1966 y fue enterrado en el cementerio de Tama en Tokio.

Enlace: Nagasaki Journey: The Photographs of Yosuke Yamahata (1996)

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Ingmar Bergman vivió durante 40 años en la isla de Fårö. Un artículo de Wmagazine con fotos de Stephen Shore nos acerca a su intimidad.

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“… –Porque una vez que has comenzado –predicaba–, no hay razón alguna para detenerse. El paso entre la realidad que ha de ser fotografiada porque nos parece bella y la realidad que nos parece bella porque ha sido fotografiada, es brevísimo.

Si fotografías a Pierluca mientras levanta un castillo de arena, no hay razón para no fotografiarlo mientras llora porque el castillo se ha desmoronado, y después mientras la niñera lo consuela mostrándole una concha en medio de la arena.

Basta empezar a decir de algo: “¡Ah, que bonito, habría que fotografiarlo!” y ya estás en el terreno de quien piensa que todo lo que no se fotografía se pierde, es como si no hubiera existido, y por lo tanto para vivir verdaderamente hay que fotografiar todo lo que se pueda, y para fotografiarlo todo es preciso: o bien vivir de la manera más fotografiable posible, o bien considerar fotografiable cada momento de la propia vida. La primera vía lleva a la estupidez, la segunda a la locura.”

Después de escanearla y repararla decidí investigar sobre el fotógrafo que firma la foto, V. Fargnoli. Fue muy interesante lo que encontré.

El nombre de Fargnoli es conocido por una buena parte de la gente de Maçanet (Girona), sobre todo los mayores. No les parecerá algo extraño, ya que el recordarán escrito al pie de aquellas fotografías que en casi todas las casas se guardan o se guardaban como recuerdo de una época, la de principios de siglo, donde están plasmadas aquellas fiestas populares que tanto recuerda a la gente, así como otros acontecimientos públicos o familiares.

Valentín Fargnoli nació en Barcelona en 1885. Sus padres, inmigrantes italianos, Antoni Fargnoli Rossi y María Annetta Vetranio, llegaron a Barcelona recién casados. Al cabo de un buen tiempo, debido a que parecía que las cosas no iban bien, y  ante la proximidad del nacimiento de su primer hijo, decidieron volver a Italia. Pero, pocos días antes de embarcarse, el 12 de abril de 1885, nació en una pensión de la Rambla de Barcelona un niño, que al día siguiente fue bautizado en la parroquia de San José-actualmente Santa Mónica – de Barcelona, y le pusieron el nombre de Valentín Fargnoli Annetta. Al cabo de 6 u 8 días, pudieron embarcarse en dirección a Belmonte di Castelo, muy cerca de Nápoles, su lugar de procedencia. Allí fue donde nacieron sus hermanos.

Valentín Fargnoli, aunque pasó toda su vida en Girona, siempre conservó la nacionalidad italiana. La primera fotografía suya que se conoce es datada del año 1901 y corresponde a la antigua muralla del Pes de la Palla. Esta fotografía fue hecha durante la época en que trabajaba de aprendiz del oficio de carpintero, aconsejado por su padre, ya que en su tiempo, era un gran artesano del yeso y confeccionaba imágenes con este material.

Pero hay otra fotografía que no se ha podido encontrar nunca, se sabe que Fargnoli la hizo al rey Alfonso XIII durante su visita a Girona el 8 de abril de 1904. Esta fotografía la hizo con una máquina que le había dejado un amigo, y con esta foto mereció el título y el reconocimiento de fotógrafo de la Corte Real. En 1906 fue convocado por la Casa Real para hacer fotos de la boda del rey con Victoria Eugenia. Fue a partir de entonces cuando se aficionó al mundo de la fotografía, y también cuando conoció a la que sería su esposa, Rosa Vilaseca Grèbol.

A partir de 1912, Fargnoli se dedicó a hacer fotografías profesionales para todos los pueblos y lugares de la comarca de Girona. Con su máquina de fotos y una bicicleta iba de una lado para otro recogiendo las imágenes de toda una época.

No es de extrañar, que en Maçanet hayan podido encontrar gran cantidad de sus fotografías, muchas más que en otras poblaciones con mayor número de habitantes. La primera foto en Maçanet es del año 1909.

Fargnoli se dedicaba principalmente a plasmar, con su máquina, vistas y monumentos y a hacer fotos por encargo. En Maçanet las fotografías que existen son principalmente de las fiestas del Árbol, los homenajes a la Viejas y de grupos escolares, de todas las cuales se han recopilado unas 300. En algunos pueblos, como Begur, vendían sus fotos como postales.

Fargnoli era un artista incansable. Iba por todas partes con la bicicleta, en la que cargaba unas cajas con la máquina y las fotografías tomadas días antes de aquel lugar, un decorado (enrollado y atado con unas correas a la bicicleta) que le servía para hacer las fotos de estudio, y una lámpara de carburo para poder ver el camino cuando volvía a Girona de noche.

Hacía las fotografías de día, las llevaba a Girona y durante la noche las revelaba; las tenía las 24 horas en remojo, luego las ponía con papeles secantes, las extendía con estos papeles sobre una mesa y cuando no le cabían, las ponía encima de las camas. Decían que su sistema de revelado y de fijación eran muy buenos. La prueba se ve en la mayoría de las fotografías que han llegado hasta nuestros tiempos, la calidad es inmejorable y parece como si acabaran de ser reveladas en este momento. Él mismo se fabricaba todos los productos que necesitaba, como el revelador, el fijador y otros. Compraba los líquidos y los productos químicos para hacer las mezclas necesarias y los pesaba con una pequeña balanza que tenía para medir la cantidad adecuada para luego poder revelar.

Fargnoli fue nacionalista catalán, como se puede constatar con los títulos de sus fotografías, que tienen un gran sentido patriótico. Ya en aquella época se relacionaba con la gente de prestigio cultural y artístico de Girona de carácter catalanista-conservador.

En 1918 el Instituto Agrícola Catalán de Sant Isidre de Barcelona, le concedió el premio de honor en un concurso. También obtuvo un premio en París por haber ideado una aguja para gramófono, por lo que se deduce que Fargnoli era una persona con un gran sentido artístico, imaginativo y cultural. También hablaba varios idiomas: italiano, alemán, francés, catalán y español.

Fue un gran dibujante y retocador; de ahí que haya sido uno de los únicos que databa y firmaba el negativo. Este trabajo era muy pesado y delicado, ya que se escribía sobre el negativo de cristal con un pincel muy pequeño. Fargnoli tenía costumbre de firmar sólo las fotos que le salían bien, y cuando una foto le salía un poco borrosa o no le gustaba bastante, no databa ni firmaba.

Durante los años que vivió, hizo una gran cantidad de fotografías que, según algunos estudios podrían ser de doce mil a quince mil, la mayoría por encargo. Todo este material tuvo un destino fatal con el estallido de la Guerra Civil.

Durante la Guerra Civil llevó a Francia casi todo su material, la mayoría relacionado con el arte de la Iglesia. Al mismo tiempo, destruyó parte; lanzando a una acequia que pasaba por detrás de su casa, una gran cantidad de negativos, por miedo a las represalias de la gente, que en aquellos momentos, dominaba la situación: los anarquistas de la FAI y otros colectivos que querían hacer desaparecer todo rastro de religión.

Entre los años 1942 y 1943 se dedicó, por encargo del Ayuntamiento de Girona, a plasmar con su máquina todas las masías de la provincia de Girona que tuvieran un carácter histórico y artístico importante.

Murió el día 9 de abril del año 1944 en Girona.

Tras su muerte, sus familiares vendieron poco a poco los escasos negativos que les quedaban. Pero las desastrosas inundaciones que sufrió Girona en el año 1962, fueron el motivo de la pérdida de la otra gran parte de este patrimonio que todavía perduraba.

(Los datos de esta biografía han sido facilitados por Genoveva Fargnoli Vilaseca) Texto reproducido en Valentín Fargnoli Annetta. Història Gràfica 1909-1940. Historia Gráfica 1909-1940. Maçanet de la Selva, Taller d’Història de Maçanet de la Selva, 1998 Maçanet de la Selva, Taller de Historia de Maçanet de la Selva, 1998.

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Francesc Català-Roca (Valls, 1922 -- Barcelona, 1998) ha sido uno de los fotógrafos catalanes más importante del siglo XX. La calidad estética y documental de su obra ha conseguido traspasar fronteras y su producción artística está a la altura de los mejores fotógrafos internacionales. Impulsor de una nueva forma de entender la fotografía, se ha convertido en un maestro reconocido y admirado por toda una generación de fotógrafos que, como él, valoran una fotografía pura, alejada de cualquier tipo de manipulación. Sus imágenes rezuman ternura y, a menudo, detrás de su objetivo se intuye una mirada incisiva y guasona, llena de sentido del humor.

Os dejo con tres citas suyas y un vídeo:

“Yo no soy un fotógrafo -explica- de estos que van con la cámara pegada al hombro y disparan muchas fotografías. No. Yo veía una escena en la calle y en mi cabeza surgía la fotografía. Luego iba con mi cámara, en aquellos años una Rolleyflex, y recuperaba esa fracción de la realidad. Hacía muchachos tocando el órgano, escenas de toros, niños, ancianas, todo aquello que llamara mi atención y que fuera algo que yo viera a punto de desaparecer”.

“Hasta ahora hemos vivido una situación anómala: hemos visto el mundo en blanco y negro. Ahora estamos acabando el siglo XX, el único periodo acromático de la historia de la humanidad; anteriormente toda la iconografía era polícroma. El blanco y el negro son dos colores que actualmente aún nos resultan familiares, pero que desaparecerán en un futuro; son dos colores falsos, no existen. Serán como el latín: llegará un momento en el que la gente no los entenderá”.

«El fotógrafo tiene que ver la realidad, pero también tiene que saber verla convertida en fotografía»

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Boris Mikhailov nació en 1938, en Charkov, Ucrania.

Cuando tenía treinta años y mientras se encontraba estudiando ingeniería, en la fabrica donde trabajaba le encargaron que hiciera un documental de presentación de la empresa. No mucho mas tarde fue que la KGB encontró en su domicilio fotos de desnudos que el había tomado de su esposa, semejantes fotografías fueron declaradas pornográficas y por lo tanto prohibidas. Inmediatamente fue expulsado de su trabajo. En ese momento decidió dedicar su vida a la fotografíafu, y, en la siguientes décadas, gracias a su producción artística se convirtió, junto a su gran amiga y artista Ilya Kabakov,en uno de los  artistas más  importantes que emergieron de la antigua Unión Soviética.

Mikhailov siempre ha trabajado con series largas que son muy diversas y por eso es difícil definir su estilo fotográfico. Pero tiene una actitud consecuente con respecto a sus fotografías. Para él las fotografías son un medio para intentar comprender la relación del individuo y la sociedad.

Debido a la fuerte censura establecida en la antigua Unión Soviética, los artistas sentían la necesidad de manifestarse contra el gobierno y cuando lo hacían, hablaban muchas veces del sentimiento de la población, porque evidenciaban o intentaban evidenciar la fuerte presión existente en su tiempo. Eran espejos de una sociedad cerrada con ansia de rebelarse contra sus propios ejemplos sociales.

Sus trabajos han explorado la posición de lo individual dentro de la atmósfera de una ideología publica, ya sea dentro del comunismo o del capitalismo. Esto se hace muy evidente en la “Serie Roja“, producida entre 1968 y 1975, donde Mikhailov documenta los slogans y los símbolos de la Unión Soviética .

En la “Serie Privada” (años 60) , mucho mas intimista, menos pública, se centra detrás de la gente, de sus vidas sociales, de sus danzas o bailes, dentro de sus propias casas, donde aún quedan símbolos de los iconografía oficial del Estado Soviético . Es una colección de fotos típicas de álbumes de familia, que contienen fotos de gente en situaciones casuales y con gente de fiesta, bailando…

“Luriki” es un album de familia retocado y coloreado que Mikhailov coleccionó cuando trabajaba con un fotógrafo comercial en los años 70.

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En 1986 la serie “Salt Lake” trata sobre gente bañandose en agua salada al lado de unos tubos de desagüe situados en la zona altamente industrializada de Slavjansk. Un ejercicio tal vez saludable o tal vez perjudicial para la salud.

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La serie “Crimean Snobberry“, de mediados de los 70, es más poética y teoriza sobre sus pensamientos sobre la amistad y el amor. En todas estas series podemos encontrar un mismo concepto dando vueltas, “el pasado , la relación con la tradición, el pasado actual y el pasado mas remoto, la relación entre lo que es social, común y lo que es privado o personal, la atmósfera de lo público y la atmósfera de lo íntimo“.

La Perestroika y la subsiguiente disolución de la Unión Soviética trajeron cambios dramáticos, también para artistas, pintores, fotógrafos y actores. Esta “nueva libertad” fue muy paradójica para Boris Mikhailov, por un lado le trajo fama y una retribución económica digna pero al mismo tiempo impuso una destrucción colectiva de los valores personales muy trágica.

En 1984, Mikhailov comenzó un trabajo muy interesante, el proyecto consiste en pegar fotos  en blanco y negro de hechos cotidianos que pasan en Charcov en el libro de memorias de su tío, que quedo inconcluso a su muerte. Fue agregando a cada foto fragmentos de textos y notas escritas a mano. El trabajo fue publicado en 1998, con una elegante presentación y se llamo “Unfinished Disertation“.

La serie “By the Ground” (1991), teñida de marrón, muestra cómo la gente lucha por sobrevivir y tener una vida digna en las calles de Ucrania.

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La serie “I am not I” (1992), es quizás una parodia de si mismo, donde Mikhailov posa con penes artificiales.

En “At Dusk” (1993), recuerda su evacuación a los Urales cuando era un niño, durante la ocupación alemana en la segunda guerra mundial. Esta serie, de tonalidad azul, describe la vida en la calle de la nueva Ucrania capitalista como si fuese una guerra por la supervivencia.

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“Suzi et Cetera” (1999) es un pequeño libro que se lee como un perverso álbum de fotos. Mikhailov nos da una idea surrealista de una sociedad en descomposición que busca emociones en el sexo. En forma de desnudos que parecen una colección de porno amateur, transmite una mezcla de excitación y vergüenza. Las tradiciones soviéticas ya no son capaces de emocionar a los jóvenes y son ampliamente ignoradas, excepto por el fotógrafo y los ancianos.

Todos estos temas vuelven a aparecer en “Case History” (1999), con fotos que reflejan la vida cotidiana. Esta exhibición fue organizada para 1998 y el libro con el mismo nombre salió en 1999. En este libro, que ha sido su trabajo más importante, retoma la fotografía del individuo, mucho mas atrevido, valiente y desesperado por lo intimo. Este proyecto explora la caída de la Unión Soviética focalizándose en las consecuencias sobre la población, en concreto los nuevos “Bomzhes” o homeless. En este documental las personas sin hogar se convierten en partícipes, ya que posan para ser fotografiados una vez que Mikhailov les promete dinero por ello.

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La manipulación del hombre por el sistema capitalista comienza a aparecer en el nuevo contexto económico y social. de Ucrania Estas fotografías hacen referencia a los dilemas de la existencia humana, esas cosas que generalmente apartamos y preferimos ignorar.

Boris Mikhailov recibió el premio en fotografía del año 2000 de la fundación internacional de Ema y Victor Hasselblad. El premio fue entregado a este ucraniano, quien es incuestionablemente, el principal referente fotográfico soviético aún vivo.

En los últimos años sus trabajos, exposiciones y libros han atraído la atención internacional en el momento que se cumplen 30 años de su carrera. Boris Mikhailov continua revelando a través de sus fotografías, la caída y las utopías de la antigua Union Sovietica. Con una postura siempre crítica, en sus trabajos muestra, a veces con una ironía humorística, o con elementos emocionalmente fuertes, la transición de la cultura comunista a la apertura económica y cultural. Muchas veces bajo circunstancias muy adversas y difíciles, pero siempre logrando crear con gran imaginación un trabajo profundamente critico.

REFERENCIAS

http://www.radiomontaje.com.ar/fotografos/borismikhailov.htm

http://en.wikipedia.org/wiki/Boris_Mikhailov_%28photographer%29

http://www.americansuburbx.com/2009/01/theory-interview-boris-mikhailov.html

http://www2.uah.es/fotohistoria/Docs/MIKHAILOV.doc

Más información en: http://www.100th.tv/